El Renacimiento

El Renacimiento es un movimiento cultural que surge en Italia en torno al 1400. Marca el salto de la época Medieval a la Edad Moderna y trae consigo una gran transformación cultural, no sólo de las artes, sino también de las ciencias, de las letras y de las formas de pensamiento.

El Renacimiento se caracteriza por el rechazo de muchos de los principios del conocimiento medieval y por la admiración de antigüedad grecorromana. Pretende recuperar el saber clásico, en el que busca una nueva escala de valores para el individuo. Frente a la sociedad medieval, en la que todo giraba en torno a la idea de Dios, durante el Renacimiento, el hombre pasa a ser el centro del universo. Emplea la razón como fuente del conocimiento y busca la verdad a través de la reflexión personal y de la investigación.

Los rasgos esenciales son redescubrimiento de la cultura clásica griega y romana, el Humanismo y el antropocentrismo. El arte renacentista girará en torno al ser humano, pero eso no significa que deje de ser religioso, sino que además de la Iglesia, aparecerán nuevos mecenas como, por ejemplo, los ricos comerciantes o la monarquía.

Gracias al nuevo mecenazgo, el arte deja de desempeñar exclusivamente funciones religiosas y aparecen nuevos géneros y temas como los retratos, el desnudo, el paisaje o los cuadros mitológicos. Y además de iglesias, también se construyen palacios, ayuntamientos, universidades, etc.

El artista, que durante la Edad media era considerado como un artesano, empieza a ser valorado por su dimensión intelectual y sale del anonimato. Ya no se valora el arte sólo por su utilidad, sino que se busca en él la belleza. Las obras de arte dejan de ser objetos que tienen que cumplir necesariamente una función y pasan a ser considerados objetos autónomos. Esta nueva concepción promoverá el coleccionismo.

Principiales Artistas del Renacimiento

Alberto Durero (1471-1528)

Durero nació en Nuremberg y se adiestró en los talleres de orfebrería de su padre. Hizo dos visitas prolongadas a Venecia y después trabajó durante siete años para el emperador Maximiliano I en Nuremberg donde, en parte de ese período, recibió un sueldo anual de 100 florines holandeses. Intercambió obras con el pintor italiano Rafael y viajó a Amberes donde se encontró con Gruñewald, un artista del norte.

Su primera pintura conocida es un autorretrato que terminó cuando tenía 13 años. Fue el más grande pintor, grabador y autor de xilografías del Renacimiento alemán. Descolló en los dibujos, que son generalmente realistas, aunque hay algunos simbólicos, como el retrato de su madre y El Caballero, la Muerte y el Diablo.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)

La madre de Miguel Ángel murió cuando él tenía seis años. Aproximadamente a los 10 años fue a Florencia y a los 13 se convirtió en aprendiz en el taller de Domenico Ghirlandaio. Asistió a la Escuela de Escultura de los Jardines Medici bajo la tutoría de Bertoldo di Giovanni, un alumno de Donatello. Allí estudió la escultura de los griegos y romanos y escuchó ias enseñanzas de Ficino en el palacio de Lorenzo de Medici. Pasó la mayor parte de su vida en Florencia. A los 60 años dejó Florencia y se trasladó a Roma. Miguel Ángel fue el escultor más grande del Renacimiento y sus pinturas son comparables con las de Leonardo y Rafael. Entre sus obras más importantes se encuentran los frescos del techo de la Capilla Sixtina y el Juicio Final detrás del altar, sus esculturas de David, los dos Esclavos Moribundos, las tres Pieta y las figuras para las tumbas de Julio II y los Medici.

Rafael Sanzio (1483-1520)

Hijo de un pintor mediocre, nació en Urbmo y disfrutó la atmósfera de la corte de los Montefeltro. Fue amigo de Castiglione, cuyo retrato pintó. En 1504 fue a Florencia y estudió a Leonardo y a Miguel Ángel. Cuatro años después Bramante lo alentó para que fuese a Roma y allí recibió encargos del Papa Julio II, para realizar pinturas.

Posteriormente, León X le pidió que diseñara tapices para las paredes de la Capilla Sixtina, y Rafael hizo los dibujos. Aunque murió a los 37 años, Rafael llegó a ser uno de los mejores artistas del Renacimiento.

Tiziano (1485-1576)

Su nombre fue Tiziano VecCellio. Es reconocido como el más grande pintor veneciano del Renacimiento. Aprendió su oficio en los talleres de Gentile y Giovanni Bellini y durante un breve período recibió una fuerte influencia de Giorgione. Uno de sus protectores fue Alfonso d’Este, duque de Ferrara, para quien pintó su famoso Buco y Aríadna.

Muchas de sus pinturas trataban de temas religiosos o mitológicos y estaban llenas de color y vitalidad. Durante la decada de 1530 comenzó a pintar muchos retratos importantes, que incluyen el del Emperador Carlos V y el del Rey Francisco I de Francia. Se convirtió en el pintor de la corte de Carlos V, quien lo nombró caballero. Luego pinto para el hijo de Carlos, Felipe, rey de España. 

Donatello (1386-1466)

Donatello nació en Florencia. Probablemente aprendió lo que era la escultura observando a los albañiles que trabajaban en la catedral de Florencia. Su primera obra es del 1408/9: una estatua de David hecha en mármol.

Sus estatuas de San Marcos y San Jorge fueron las dos primeras del Renacimiento que se mantuvieron en pie sin estar apoyadas contra una pared. Después trabajó en bronce y su famoso David, de gran tamaño, fue la primera estatua esculpida de modo que se sostuvo parada sin apoyo. Además, fue la primera estatua de bronce fundido desde los tiempos clásicos. Donatello también esculpió una gran estatua ecuestre que sirvió de inspiración para todas las ciernas de su tipo. Hacia el final de su vida, comenzó a tallar en madera.

Paolo Uccello (1397-1475)

Uccello nació en Florencia y era el hijo de un barbero-cirujano. Fue miembro del taller de Ghiberti y luego se mudó a Venecia, donde trabajó durante unos cinco años realizando mayólicas. En 1431 regresó a Florencia y más tarde pintó en la Catedral la efigie de Sir John Hawkwood, el condottiero inglés.

También permaneció algunos años en Padua. Los trabajos de Donatello y las teorías sobre arquitectura y perspectiva de Alberti influyeron en su pintura. Sus cuadros más famosos son las tres grandes escenas de batalla de la Derrota de San Romano i 14561 que fueron encargadas por Cosimo de Medici. En ellos son muy importantes los detalles decorativos, los paisajes y la perspectiva.

Giotto (1266/7-1337)

Giotto nació cerca de Florencia y se lo considera el primero de los grandes pintores italianos. Fue educado por el artista Cimabue y trabajó en Asís, Padua, Roma, Florencia y Nápoles, donde fue nombrado en 1330 familiar o miembro de la casa real.

En 1334 fue designado veedor de la catedral de Florencia y arquitecto de la ciudad, no por su reputación como tal, sino por su fama como pintor.

Sus cuadros son interesantes porque los personajes dan la impresión de vivir realmente los dramas de las historias religiosas y contrastan con las pinturas sacras de la Edad Media, que eran planas y sin vitalidad.

Peter Breughel (aprox. 1525-69)

Breughel fue uno de los más famosos pintores del norte. En 1551 se integró al gremio de pintores de Amberes. Doce años después se mudó a Bruselas, donde permaneció el resto de su vida. A Breughel le gustaba mucho pintar grandes escenas concentró más su interés en las personas mismas. Sus pinturas demuestran la forma en que el hombre enfrentaba las cosas insignificantes y los rigores de la vida cotidiana.

Aunque era una persona de ciudad, culta, los personajes de sus cuadros son generalmente campesinos, llenos de energía y humor, unas veces .simples y otras crueles. Bosch, otro pintor del norte, influyó en su obra.

"La Venus de Milo "

Realizamos la escultura del artista Alexandros of Antioch, el material que utilizamos fue arcilla, Fue muy dificil hacer esta escultura.

Y este fue nuestro resultado final 

Samantha Garcia

Madeleine Paredes 

Barbara Briones

Yuliana Villamar

Carol Noboa

Procesos de Creación Artistica

La historia del arte como la conocemos no existía, recién a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX se comenzó a investigar sobre la historia de el arte como materia, antes de eso solo era manifestaciones que el hombre hacia por u medio diferente al hablado.

EL PALEOLÍTICO

-Esta es un época en donde se reproduce el realismo.
-Este nombre tiene como significado de Piedra antigua.

EL NEOLÍTICO

-Utilizaban símbolos. Transportaban la imagen al concepto
-Este nombre tiene como significado de Piedra nueva.

EDAD ANTIGUA

- La monumentalidad. 

- Este arte era posible gracias a la mano de obra esclava.

-En cuanto los materiales se usaban los sillares, estas eran caja de piedras inmensas que eran ubicadas una sobre otra hasta formar cualquier edificación.

-Los egipcios eran moniteistas, su dios "El rey Sol Ra"

-Duro 3.500 años.

EDAD MEDIA

-La religión católica, apostólica y romana domina el mundo. 

-Todo se vuelve feudalista.

-La iglesia siempre ganaba al imperio.

-Todos los temas bíblicos representados en pinturas.

-Pinturas en donde se reflejaba tanto el hieratismo (posturas en las imágenes)  y la jerarquía, es decir la pintura mas grande era las más importante.

-Las imágenes estaban para representar la santidad, no para despertar pasión.

JERARQUÍA EN LA EDAD MEDIA

- La religión católica

- La nobleza (Reyes, princesas, etc.) Los caballeros (Gente pobre pero que asciende por alguna guerra en la que participo).

-Los siervos de la tierra (Trabajadores hasta los 35 años, porque después de esta edad morían).

En la edad media se construyen dos especies de iglesias y castillos:

Románica: 

Se toman muchas cosas de Roma. Tienen iglesias pequeñas y gordas, con ventanas pequeñas.

Gótica:

Crecen hacía el cielo. Tienen mas detalles. Eran iglesias mas altas, y con ventanas grandes. La gran mayoría de ellas tiene un rosetón.

ROMÁNICA	GÓTICO
·   Se genera en un estilo de vida ligado al      campo.       ·   Arte de la iglesia.       ·   Nace en el concepto de campo.	·   Nace en las ciudades (Nace en el concepto de ciudad).        ·  Empiezan a aparecer los burgueses, personas que no tenían dinero pero que comenzaron a reunir por medio de la actividad económica.        ·   Lo gótico era un arte burgués.        ·    También se ven retrato, no solo edificaciones.        ·    Hacer un retrato de color rojo era más caro que pintar con oro.

Gótico surge en la misma edad media como una respuesta al poder de una iglesia católica por parte de un nuevo poder la burguesía que dijo "basta"  y levantaron iglesia mas grande, con mas detalles y mas hermosa que las románicas.

Trabajo Realizado en la Universidad

Trabajo que realizamos en papel kraft, carbón y tiza; fue muy divertido calcar nuestro contorno del cuerpo en diferentes posiciones, al momento de darle diferentes formas me di cuenta que mas del 50% de lo que pinte lo hice con blanco.

Modulo 2 - Taller final

Modulo 2 - Segundo Taller

Modulo 2 - Primer Taller

Modulo 2 - Trabajo y Aprendo

Historia de las mujeres en el arte

En este espacio hacemos un recuerdo de las mujeres mas relevantes en la Historia del arte.

Virginia Woolf

(Adeline Virginia Stephen; Londres, Reino Unido, 1882 - Lewes, id., 1941) Escritora británica. El nombre de Virginia Woolf figura junto con el de James Joyce, Thomas Mann o Franz Kafka entre los grandes renovadores de la novela moderna. Experimentando con la estructura temporal y espacial de la narración, perfeccionó en sus novelas el monólogo interior, procedimiento por el que intenta representar los pensamientos de un personaje en su forma primigenia, en su fluir inconsciente, tal y como surgen en la mente. Algunas de sus obras más famosas, como La señora Dalloway (1925), Al faro (1927) o Las olas (1931), ejemplifican este recurso mediante un poderoso lenguaje narrativo en el que se equilibran perfectamente el mundo racional y el irracional.

Woolf fue además pionera en la reflexión sobre la condición de la mujer, la identidad femenina y las relaciones de la mujer con el arte y la literatura, que desarrolló en algunos de sus ensayos; entre ellos, destaca por la repercusión que posteriormente tendría para el feminismo Una habitación propia (1932). No sólo abordó este tema en los ensayos, sino que también lo hizo en novelas como la inquietante y misteriosa Orlando (1928), en la que se difuminan las diferencias entre la condición masculina y la femenina encarnadas en el protagonista, un aristócrata dotado de la facultad de transformarse en mujer.

Simone de Beauvoir

(París, 1908-1986) Pensadora y novelista francesa, representante del movimiento existencialista ateo y figura importante en la reivindicación de los derechos de la mujer. Originaria de una familia burguesa, destacó desde temprana edad como una alumna brillante. Estudió en la Sorbona y en 1929 conoció a Jean-Paul Sartre, que se convirtió en su compañero durante el resto de su vida.

Se graduó en filosofía y hasta 1943 se dedicó a la docencia en los liceos de Marsella, Ruan y París. Su primera obra fue la novela La invitada (1943), a la que siguió La sangre de los otros (1944) y el ensayo Pyrrhus y Cineas (1944). Participó intensamente en los debates ideológicos de la época, atacó con dureza a la derecha francesa, y asumió el papel de intelectual comprometida. En sus textos literarios revisó los conceptos de "historia" y "personaje" e incorporó, desde la óptica existencialista, los temas de "libertad", "situación" y "compromiso".

Fue fundadora junto a Sartre, A. Camus, y M. Merleau-Ponty, entre otros, de la revista Tiempos Modernos, cuyo primer número salió a la calle el 15 de octubre de 1945 y se transformó en un referente político y cultural del pensamiento francés de mitad del siglo XX. Posteriormente publicó la novela Todos los hombres son mortales (1946), y los ensayos Para una moral de la ambigüedad (1947) y América al día (1948).

Su libro El segundo sexo (1949) significó un punto de partida teórico para distintos grupos feministas, y se convirtió en una obra clásica del pensamiento contemporáneo. En él elaboró una historia sobre la condición social de la mujer y analizó las distintas características de la opresión masculina. Afirmó que al ser excluida de los procesos de producción y confinada al hogar y a las funciones reproductivas, la mujer perdía todos los vínculos sociales y con ellos la posibilidad de ser libre. Analizó la situación de género desde la visión de la biología, el psicoanálisis y el marxismo; destruyó los mitos femeninos, e incitó a buscar una auténtica liberación. Sostuvo que la lucha para la emancipación de la mujer era distinta y paralela a la lucha de clases, y que el principal problema que debía afrontar el "sexo débil" no era ideológico sino económico.

George Sand

(Aurore Dupin, baronesa Dudevant; París, 1804-Nohant, 1876) Escritora francesa. Se educó con su abuela paterna en la propiedad de Nohant. Contrajo matrimonio con el barón Casimir Dudevant (1822), de quien tuvo dos hijos y de quien se separó en 1830. En 1831 se instaló en París. Fue amante del novelista J. Sandeau, con quien escribió, bajo el seudónimo común de Jules Sand, la novela Rose y Blanche (1831).

En 1832, ya con el seudónimo de George Sand, publicó Indiana y Valentine y al año siguiente obtuvo un gran éxito con la novela Lélia. Tras la ruptura con Sandeau, inició sus relaciones con Alfred de Musset (1833-1834). A este período corresponden sus novelas Jacques (1834), André (1835) y Mauprat (1837). De regreso a Nohant, Michel de Bourges le hizo interesarse por la política; trató a Liszt y a Lamennais y se hizo discípula entusiasta del socialista P. Leroux.

En 1838 inició su larga relación con Chopin, uno de cuyos episodios es la estancia en la cartuja de Valldemosa (1838-1839), que la escritora evoca en Un invierno en Mallorca (1842). A esta época, marcada por sus ideales sociales y humanitarios, pertenecen sus novelas Spiridion (1839), El «compagnon» de la vuelta a Francia (1841) -la primera novela francesa que tiene por protagonista a un obrero-, Horace (1842), Consuelo (1843), La condesa de Rudolstadt (1844), El molinero de Angibault (1845) y El pecado de Monsieur Antoine (1846).

Berthe Morisot

Berthe Morisot (Bourges, 1841-París, 1895), fue la primera mujer que se unió al movimiento impresionista. Nacida en el seno de una familia de la alta burguesía francesa, fue educada en el gusto por las artes y la música y supo combinar de manera ejemplar la faceta artística con su papel de mujer moderna y activa animadora cultural. Modelo y amiga de Manet, casada con su hermano Eugène, aliada de los pintores impresionistas -como Degas, Renoir, Monet o Pissarro-, con quienes expuso en prácticamente todas sus exposiciones, y admirada por intelectuales de la talla de Mallarmé o Valéry, Morisot jugó un papel destacado y esencial en el desarrollo del impresionismo francés.

 Mary Cassatt 

Inspirada en Edgar Degas, Mary Cassatt luchó contra su padre, sus profesores y las convenciones de su época para convertirse en una destacada pintora impresionista. Su obra acercó el movimiento artístico de finales del siglo XIX europeo a los Estados Unidos.

Las trabas familiares y académicas

Mary Stevenson Cassatt nació el 22 de mayo de 1844 en Allegheny City, Pennsylvania, en el seno de una familia acomodada. Su padre era un rico banquero que siempre se opuso a las inclinaciones artísticas de su hija. A pesar de ello, y gracias a la insistencia de Mary, pudo ingresar a la edad de 15 años en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania.

Pero su condición de mujer no ayudó a Mary en la academia y decidió abandonarla cansada del trato condescendiente de sus profesores y compañeros. A partir de ese momento decidió estudiar de manera autodidacta la obra de los grandes artistas. Para ello pudo viajar a Europa en 1866 acompañada de varios familiares, entre ellos su madre. París, Italia, España o Holanda fueron algunos de los destinos de Mary, quien pudo observar, analizar y copiar de primera mano las grandes obras del arte europeo.

Hilma af Klinf

En 1944, a los 81 años y presintiendo que tenía edad suficiente como para prepararse para la muerte, la pintora sueca Hilma af Klint —que fallecería no por vejez, sino en un accidente de tráfico—, estipuló estrictas órdenes testamentarias sobre los 1.200 cuadros y dibujos que había pintado desde joven: el inventario completo, junto con 15.000 cuadernos de anotaciones y bocetos, debía permanecer oculto a los ojos del mundo durante al menos veinte años.
Sólo dió una razón para esta ocultación voluntaria: estaba convencida de que los seres humanos no estaban preparados para ver su obra, que le había sido dictada, afirmaba, por "seres superiores", situados en un "plano astral" extraterrenal. Desde los 18 años, cuando Hilma sufrió un severo choque psicológico tras la muerte durante una epidemia de gripe de su hermana pequeña, de diez, la artista afirmaba estar en contacto con el más allá, del que recibía mensajes místicos y revelaciones.

Frida Kahlo

(Magdalena Carmen Frida Kahlo; Coyoacán, México, 1907 - id., 1954) Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

A los dieciocho años Frida Kahlo sufrió un gravísimo accidente que la obligó a una larga convalecencia, durante la cual aprendió a pintar, y que influyó con toda probabilidad en la formación del complejo mundo psicológico que se refleja en sus obras. En 1929 contrajo matrimonio con el muralista Diego Rivera; tres años después sufrió un aborto que afectó en lo más hondo su delicada sensibilidad y le inspiró dos de sus obras más valoradas: Henry Ford Hospital y Frida y el aborto, cuya compleja simbología se conoce por las explicaciones de la propia pintora. También son muy apreciados sus autorretratos, asimismo de compleja interpretación: Autorretrato con monos o Las dos Fridas.

Cuando André Breton conoció la obra de Frida Kahlo, afirmó que la mexicana era una surrealista espontánea y la invitó a exponer en Nueva York y París, ciudad esta última en la que no tuvo una gran acogida. Frida nunca se sintió cerca del surrealismo, y al final de sus días rechazó abiertamente que su creación artística fuera encuadrada en esa tendencia.

Louise Joséphine Bourgeois

(25 de diciembre de 1911 – 31 de mayo de 2010), fue una artista y escultora francesa nacionalizada estadounidense. Conocida por sus esculturas de arañas, que le valió el apodo de "Mujer Araña", es una de las artistas más importantes del arte contemporáneo. Su escultura arácnida más grande se titula Maman y ha sido exhibida en numerosos lugares del mundo, con una altura de más de 30 ft (9.27m).

En la década de 1940, después de haberse mudado a Nueva York con su esposo, Robert Goldwater, se inclinó por la escultura.

Reconocida como fundadora del Arte Confesional, sus trabajos están catalogados como sugestivos de la figura humana, expresando temas como la traición, la ansiedad y la soledad. Su trabajo era puramente autobiográfico y estaba inspirado en su trauma de la infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre y su niñera.

Nadine Labaki

nació en Baabdat, Líbano, el 18 de febrero de 1974, es una actriz y directora libanesa. Ella es una de las directoras más conocidas en la industria de los videos clips árabes.

Nadine participó como concursante en el show de talento Studio El-Fan, en la década de 1990 en la categoría "dirección". En la competencia, dirigió un video musical, "Ya Habibi", para una cantante llamada Carla, quien es ahora una conductora muy conocida en el programa "Café Rotana" del canal árabe de música Rotana.

Su primer video fue "Tayr El-Gharam" (Pájaro del Amor) para la cantante libanesa Pascale Machaalani. Más tarde, hizo otros dos videos para Noura Rahal, pero los videos no tuvieron el éxito suficiente. Y su nuevo esfuerzo con Katia Harb, para el video musical de la canción "Ma Fina" obtuvo más reconocimiento.

Su verdadero avance estuvo marcado con el vídeo de Nancy Ajram titulado "Akhasmak Ah". El video mostraba a Nancy como la camarera de una cafetería tradicional egipcia, en la que sirve y entretiene a los clientes masculinos. El video levantó algunas polémicas, pero Nadine supo justificar el uso de este personaje.

Nadine siguió teniendo gran éxito con Nancy, específicamente, en los videos como "Ya Salam" (Oh Paz), "Lawn Ouyounak" (El color de tus ojos), y "Inta Eih" (Quien eres tú?). Los tres videos ganaron gran popularidad, y fueron premiados con los mejores honores.

Marina Abramovic

Marina Abramovic es una artista de performance que investiga y explora los límites de lo psíquico y mental. En sus performance se ha lacerado a sí misma, se ha flagelado, ha congelado su cuerpo en bloques de hielo, tomando drogas para controlar sus músculos, con las cuales ha quedado muchas veces inconsciente, y hasta en una ocasión casi morir de asfixia recostada dentro de una cortina de oxígeno y llamas.

Sin embargo, los objetivos Abramovic poco tienen que ver con el sensacionalismo. Sus performances resultan una serie de experimentos que pretenden identificar y definir los límites en el control sobre su cuerpo; la relación entre el público con la performer; del arte y, por extensión, de los códigos que gobiernan la sociedad. Su ambicioso y profundo proyecto se encamina a descubrir un método, a través del arte, que haga a la gente más libre.

Muchas de las performances de Abramovic en estos 30 años han sido brutales y desconcertantes. Algunas de ellas concluyen sólo cuando alguien del público interviene. Buscando el límite en el cual el público comprueba su resistencia a atestiguar el dolor y el sufrimiento, Abramovic crea un punto de ruptura, marcando radicalmente las sensaciones del presente del espectador. Ella ha dicho: "Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora".

Nacida en Belgrado en 1946, hija de guerrilleros yugoslavos, sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra de Tito. Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales encaminadas a liberarla de su pasado. En 1975 Abramovic conoce a Ulay, un artista con quien tiene en común sus preocupaciones artísticas. En las siguientes dos décadas viven y colaboran juntos, realizan performances y viajan alrededor del mundo. Sus performances exploran los parámetros del poder y la dependencia dentro de la relación triangular entre ambos y los espectadores.